{"id":4774,"date":"2015-02-08T22:32:13","date_gmt":"2015-02-08T21:32:13","guid":{"rendered":"http:\/\/www.didatticarte.it\/Blog\/?p=4774"},"modified":"2021-07-14T10:08:29","modified_gmt":"2021-07-14T08:08:29","slug":"analizzare-un-quadro-in-tre-mosse","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.didatticarte.it\/Blog\/?p=4774","title":{"rendered":"Analizzare un quadro in tre mosse"},"content":{"rendered":"

Tempo fa ho\u00a0scritto un articolo sulla <\/span>lettura dell’opera d’arte<\/a><\/strong>. Un metodo di analisi complesso e approfondito che, per\u00f2, proprio per la sua vasta articolazione<\/strong>, non pu\u00f2 essere praticato sistematicamente per ciascun dipinto da studiare (insomma, quando lo propongo in classe i ragazzi mi guardano storto…).<\/span><\/p>\n

\"analisi-quadro\"<\/a><\/span><\/p>\n

Allora ho cercato di semplificare<\/strong> l’approccio proponendo tre parole-chiave: tecnica<\/strong>, soggetto<\/strong> e poetica<\/strong>. Vediamo cosa si intende per ognuna di queste tre voci.<\/span><\/p>\n

1. TECNICA<\/strong> – \u00c8 la modalit\u00e0<\/strong> con cui viene realizzata l’opera d’arte. Riguarda l’aspetto pi\u00f9 “meccanico<\/strong>” e fisico della creazione.<\/span><\/p>\n

Restando nell’ambito delle arti visive bidimensionali<\/strong> (anche se l’arte comprende anche scultura, architettura, letteratura, teatro, danza, musica etc. etc.) le tecniche pi\u00f9 diffuse sono la tempera su tavola<\/strong>,\u00a0l’affresco<\/strong>,\u00a0l’olio su tela\u00a0<\/strong>e l’inchiostro su carta<\/strong>, giusto per citare quelle che si trovano pi\u00f9 spesso nel libro di storia dell’arte. Ma, se siete curiosi di saperne di pi\u00f9, su <\/span>WikiArt<\/a><\/strong> ne trovate oltre un centinaio…<\/span><\/p>\n

\"analisi-tecniche\"<\/a><\/span><\/p>\n

\u00c8 interessante notare per\u00f2 come, all’interno della stessa tecnica, esistano profonde differenze stilistiche<\/strong> che consentono di individuare facilmente l’autore o, comunque, il movimento d’appartenenza.<\/span><\/p>\n

Ecco, ad esempio, alcuni dettagli<\/strong> di dipinti realizzati ad olio su tela. Il tipo di stesura<\/strong>, la densit\u00e0 delle pennellate<\/strong> e la loro forma<\/strong> identificano in modo inequivocabile i relativi autori\u00a0e\u00a0ci raccontano una sensibilit\u00e0 diversa, un sentire nuovo, una necessit\u00e0 impellente dell’artista.\u00a0Li riconoscete?<\/span><\/p>\n

\"analisi-pennellate\"<\/a><\/span><\/p>\n

Se nei primi due casi (Bronzino e Hayez) tutto sommato la tecnica \u00e8 simile e cambiano il soggetto e la poetica, negli esempi\u00a0seguenti (Monet e Van Gogh) la stesura del colore rivela l’urgenza<\/strong> di catturare un’impressione di luce<\/strong> o uno stato d’animo<\/strong>.<\/span><\/p>\n

Dunque, sebbene abbia presentato la tecnica come aspetto, appunto, “tecnico” dell’opera d’arte, ecco che scopriamo che la sua scelta\u00a0o la sua personalizzazione fanno gi\u00e0 parte del significato dell’opera<\/strong>.<\/span><\/p>\n

Si pu\u00f2 arrivare, in casi estremi, ad opere il cui soggetto<\/strong> e il cui significato<\/strong> risiedono proprio e soltanto nella tecnica (l’action painting<\/strong> di Pollock \u00e8 il tipico esempio).<\/span><\/p>\n

\"analisi-pollock\"<\/a><\/span><\/p>\n

2. SOGGETTO<\/strong> – \u00c8 ci\u00f2 che \u00e8 raffigurato in un dipinto. Il soggetto, generalmente, \u00e8 individuato inizialmente attraverso il cosiddetto genere pittorico<\/strong>.<\/span><\/p>\n

WikiArt<\/a><\/strong> ce ne propone una sessantina ma quelli pi\u00f9 frequenti sono quelli qui sotto.<\/span><\/p>\n

\"analisi-generi\"<\/a><\/span><\/p>\n

Naturalmente ognuno di questi soggetti assume significati diversi nel tempo<\/strong> mentre altri sono specifici solo di alcune epoche<\/strong>. La natura morta, ad esempio, genere quasi assente fino alla fine del Cinquecento, assume connotati e significati molto diversi col passare dei secoli.<\/span><\/p>\n

Cos\u00ec, se nel Seicento la natura morta allude alla <\/span>transitoriet\u00e0 delle cose terrene<\/a><\/strong>, in alcuni autori\u00a0tende a diventare puro esercizio di virtuosismo<\/strong>.<\/span><\/p>\n

Scompare con il Neoclassicismo e il Romanticismo (ma alcune tele di Goya<\/strong> dimostrano che la natura morta non era affatto\u00a0morta!) per ricomparire alla grande nella seconda met\u00e0 dell’Ottocento coniugata, di volta in volta, secondo la visione impressionista<\/strong>, quella di C\u00e9zanne, di Van Gogh e poi, nel Novecento, in versione <\/span>cubista<\/a><\/strong>, pop, iperrealista etc. etc.<\/span><\/p>\n

\"analisi-naturamorta\"<\/a><\/span><\/p>\n

3. POETICA<\/strong> – \u00c8 un concetto spesso istintivamente abbinato alla letteratura, e in particolare alla poesia (questione di assonanza…), ma in realt\u00e0 la poetica riguarda tutte le modalit\u00e0\u00a0artistiche e si riferisce alle intenzioni espressive<\/strong> dell’autore o di un movimento.\u00a0In pratica \u00e8 la risposta alla domanda: qual \u00e8 il senso di quest’opera? Cosa trasmette? cosa vuole cogliere?<\/span><\/p>\n

\u00c8 un aspetto che, assieme alla tecnica (com’\u00e8 fatto?<\/strong>) e al soggetto (cosa rappresenta?<\/strong>) completa la comprensione dell’opera (cosa comunica?<\/strong>).<\/span><\/p>\n

\"analisi-museo\"<\/a><\/span><\/p>\n

La poetica, tuttavia, non \u00e8 un codice segreto nascosto dentro l’opera. La sua essenza, infatti, si manifesta attraverso il linguaggio<\/strong>\u00a0(fatto di luce, colori, forme e\u00a0composizione) con cui il soggetto viene trattato.<\/span><\/p>\n

Tornando, ad esempio, alle nature morte viste sopra, si tratta del medesimo soggetto<\/strong> capace di comunicare, per\u00f2, “messaggi”<\/strong> diversi.\u00a0Se le fette di salmone di Goya sembrano intrise di una percezione macabra e passionale del mondo<\/strong>, la fruttiera di Lichtenstein traduce in\u00a0fumetto bidimensionale<\/strong>, un\u00a0prodotto visivo popolare e di consumo,\u00a0quella che per secoli era stata un’esibizione di estremo realismo.<\/span><\/p>\n

La stessa poetica \u00e8 evidente nei rispettivi autoritratti…<\/span><\/p>\n

\"analisi-autoritratti\"<\/a><\/span><\/p>\n

La comprensione della poetica \u00e8 un elemento di lettura imprescindibile\u00a0la cui mancanza\u00a0produce una relazione molto superficiale<\/strong> con l’opera d’arte. Cogliere solo l’aspetto formale<\/strong> (come avviene con le <\/span>grandi icone<\/a><\/strong> di cui ho gi\u00e0 parlato) fa perdere ogni rapporto autentico con il dipinto. Lo guardo, lo\u00a0ammiro, ma non lo ascolto, non lo capisco oltre\u00a0ci\u00f2 che vedono i miei occhi.<\/span><\/p>\n

L’arte, al contrario, esige un rapporto totale<\/strong>: una relazione che coinvolga occhi, mente e cuore. Visione, comprensione ed emozione<\/strong> devono agire contemporaneamente!<\/span><\/p>\n

\"analisi-rockwell\"<\/a><\/span><\/p>\n

Ma facciamo qualche esempio concreto di lettura in tre mosse<\/strong>. Prendiamo un’opera del Quattrocento<\/strong>, una del Seicento<\/strong> e una dell’Ottocento<\/strong>\u00a0(giusto per affrontare dei periodi molto diversi dal punto di vista artistico) ed analizziamole brevemente insieme.<\/span><\/p>\n

ANTONELLO DA MESSINA, ANNUNCIATA, 1474-75<\/strong><\/span><\/p>\n

\"analisi-antonello\"<\/a><\/span><\/p>\n

Il dipinto \u00e8 un olio su tavola<\/strong>, elemento non secondario dato che si tratta di una delle prime applicazioni della pittura ad olio in Italia, rivelando dunque i contatti che Antonello ebbe con la pittura fiamminga<\/strong> (presso cui si era perfezionata questa tecnica).<\/span><\/p>\n

Si tratta di una scena sacra un po’ sui generis: precedentemente\u00a0(ma anche successivamente), infatti, la Vergine annunciata \u00e8\u00a0sempre raffigurata insieme all’Arcangelo Gabriele<\/strong> inginocchiato a riferirle\u00a0della sua maternit\u00e0. La scena, inoltre, \u00e8 spesso ambientata in una stanza (quella di Maria) o in un portico accanto ad un giardino.<\/span><\/p>\n

\"analisi-annunciata\"<\/a><\/span><\/p>\n

In questa Annunciazione, invece, mancano sia l’angelo<\/strong> che l’ambientazione<\/strong> (resta solo un leggio su un tavolo come unico\u00a0riferimento\u00a0spaziale). Maria \u00e8 immobile, geometrica, con una mano di scorcio protesa in avanti per lo stupore.<\/span><\/p>\n

E qui entra in gioco la poetica<\/strong> di Antonello. La sua ricerca di idealizzazione<\/strong> e la sua cura estrema per la luce<\/strong> tendono a trasformare l’Annunciata in una scultura perfetta<\/strong>, simbolo tridimensionale e razionale di quel Rinascimento gi\u00e0 maturo che ormai pervadeva tutt’Europa.<\/span><\/p>\n

ARTEMISIA GENTILESCHI, GIUDITTA CHE DECAPITA OLOFERNE, 1620<\/strong><\/span><\/p>\n

\"analisi-artemisia\"<\/a><\/span><\/p>\n

Realizzato ad olio su tela il dipinto raffigura un’altra scena biblica, quella relativa alla brutale esecuzione<\/strong> del generale assiro Oloferne da parte dell’intrepida Giuditta.<\/span><\/p>\n

Il soggetto, ispirato ad un’opera simile di Caravaggio<\/strong>, \u00e8 raffigurato con estrema violenza<\/strong>: il sangue, scuro ed\u00a0abbondante, zampilla verso la donna che, pur ritraendosi, continua ad affondare la spada\u00a0con determinazione.\u00a0La scena \u00e8 davvero orripilante\u00a0e mostra il tipico gusto barocco per le “emozioni forti<\/strong>“, per il dinamismo<\/strong>, per i netti\u00a0contrasti<\/strong>.<\/span><\/p>\n

A confronto la tela del Merisi sembra un delicato quadretto da capezzale…<\/span><\/p>\n

\"analisi-caravaggio\"<\/a><\/span><\/p>\n

La poetica, per\u00f2, ci riserva qualche sorpresa\u00a0legata alla\u00a0<\/span>storia personale<\/a><\/strong> di Artemisia, vittima di stupro<\/strong> da parte di Agostino Tassi, pittore e\u00a0collaboratore del padre, artista anch’esso.\u00a0Il processo, intentato dal padre, diede infine ragione alla pittrice ma questo non plac\u00f2 il dolore per il trauma subito<\/strong>.<\/span><\/p>\n

\u00c8 cos\u00ec che\u00a0si spiega la grande carica di violenza<\/strong> in questo e in numerosi dipinti che raffigurano eroine nell’atto di uccidere un nemico. \u00c8 come se il quadro potesse simbolizzare e racchiudere tutta la volont\u00e0 di rivalsa<\/strong> dell’artista\u00a0sull’uomo che l’aveva violentata. E non \u00e8 un caso che Giuditta somigli straordinariamente alla stessa Artemisia!<\/span><\/p>\n

PIERRE-AUGUSTE RENOIR, LA COLAZIONE DEI CANOTTIERI, 1881<\/strong><\/span><\/p>\n

\"analisi-renoir\"<\/a><\/span><\/p>\n

Anche questo \u00e8 un olio su tela. Ma \u00e8 un dipinto impressionista<\/strong>, dunque, come per il dettaglio di Monet, la pittura \u00e8 utilizzata in modo diverso da come facevano, ad esempio, la Gentileschi o Caravaggio.<\/span><\/p>\n

Qui la <\/span>pennellata visibile<\/a><\/strong>\u00a0con\u00a0effetto a\u00a0macchie<\/strong> rende bene l’idea di vitalit\u00e0<\/strong>, di luccich\u00eco<\/strong>, di spensieratezza<\/strong> di un giornata tiepida al ristorante La Fournaise, presso Chatou.<\/span><\/p>\n

\u00c8 la vita dei borghesi della Belle Epoque<\/strong>,\u00a0vivace e frivola.<\/span><\/p>\n

\"analisi-renoir-dettaglio\"<\/a><\/span><\/p>\n

D’altra parte il dipinto \u00e8 stato realizzato quasi tutto\u00a0en plein air<\/strong>, dunque proprio davanti alla scena, cercando di coglierne l’atmosfera<\/strong> con l’immediatezza<\/strong> di uno scatto fotografico.<\/span><\/p>\n

Il soggetto, di per s\u00e9, \u00e8 banale: \u00e8 la tipica <\/span>scena di genere<\/a><\/strong>, un momento di vita quotidiana privo di qualsivoglia allusione simbolica, storica o religiosa. Ma proprio in questa sua ordinariet\u00e0<\/strong> sta il suo fascino. Perch\u00e9 in\u00a0questa scena ci sembra quasi di poter sentire il tintinnio<\/strong> dei bicchieri, il brusio<\/strong> dei clienti insieme al gioco di sguardi<\/strong> da un punto all’altro della terrazza.<\/span><\/p>\n

C’\u00e8 tanta vita<\/strong>\u00a0(e direi anche tanti ormoni nell’aria) in questa ricca colazione cos\u00ec frizzante e disordinata.<\/span><\/p>\n

E la poetica? Forse non ve ne siete accorti ma\u00a0\u00e8 gi\u00e0 emersa insieme alla tecnica e al soggetto. S\u00ec, perch\u00e9 anche se cerchiamo di catalogare<\/strong> i vari aspetti di un’opera, si tratta pur sempre di suddivisioni di comodo<\/strong>, a scopo didattico.<\/span><\/p>\n

Nessun aspetto \u00e8 davvero separabile da tutti gli altri e credo che cogliere questo concetto<\/strong> sia la vera lezione che la lettura di un’opera d’arte ci possa dare!<\/span><\/p>\n

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